O zi bună, dragi cititori. Astăzi vom intra în contact cu lumea creativității, în cazul nostru, fără sens și fără milă. Vorbim despre unul dintre cei mai scumpi artiști din lume, ale cărui picturi valorează o avere.

Mark Rothko(Engleză) Mark Rothko, nume de naștereMarkus Yakovlevici Rotkovici; 25 septembrie 1903, Dvinsk, provincia Vitebsk, acum Daugav Pils , Letonia — 25 februarie 1970 New York ) este un artist american., un reprezentant de frunte al rezumatului expresionism , unul dintre creatorii picturii câmp de culoare . (Credeți-mă, creatorul unor astfel de domenii trăiește în fiecare dintre voi. Notă a autorului)

Să nu târăm ratonul mult timp și să trecem la cunoașterea.

„Portocaliu, roșu, galben” (1961) Mark Rothko- vandut 08.05.2012 la licitația Sotheby's86 882 500 $. Imaginea aparține perioadei strălucitoare a operei expresionistului american. Totuși, la sfârșitul vieții, când faima îi venise deja, artistul cade într-o depresie profundă.

№ 10

1958

Preț - 81.925.000 USD

centru alb

Preț - 72.800.000 USD

Sper că nu ai murit încă de invidie și nu ești supărat pe Dumnezeu că te-a lipsit de un asemenea talent. Nu voi converti prețurile tablourilor în ruble, astfel încât textul să conțină mai multe litere decât cifre.

Roșu regal și albastru

Preț - 70.100.000 USD

În acest moment, ești deja capabil să deosebești Rothko de Van Gogh, Rubens sau Picasso, chiar dacă nu le-ai văzut picturile.

Albastru și gri

Nu putea accepta când a fost numit abstractionist, pentru că el considera picturile sale o reflectare a vieții reale, organisme vii care caută contactul cu privitorul. [Sper că ai luat deja contact?]

Arta este un lucru complex, care, aparent, nu mi se dă pe deplin să îl realizez. Acesta este ca salariul jucătorilor echipei naționale de fotbal a Rusiei, nu este clar de ce este atât de mare.

Mark Rothko a fost atât de înzestrat încât majoritatea tablourilor nu au titluri.

Fără titlu (galben și albastru)

Mă voi opri la treaba asta, pentru că probabil mulți s-au plictisit. Dar există avantaje aproape peste tot, acum îl poți distinge pe Rothko de alți artiști, ai ocazia să vorbești pe tema artei, iar cineva inspirat va alege un șevalet și vopsele.

Să încetinim un minut și să ne gândim cine „recompensează” o persoană cu statut - un artist? Însuși autorul? Agenții de publicitate care încearcă să vândă o capodopera (citește cuvântul cu accent caucazian) cât mai scumpă? Oameni care sunt gata să dea o avere pentru o bucată de pânză? Cum să găsiți experți care evaluează astfel de lucrări? Cum să intri în această sectă? Sunt sigur că știți răspunsurile la aceste întrebări.

Trăim într-o lume amuzantă în care o poză poate costa sute de milioane și poate atrage cât mai mulți admiratori, o lume în care urnele practic nu valorează nimic și, în consecință, nu atrag atenția nimănui, cu excepția, poate, dragii noștri cititori.

Din păcate, urnele nu s-au ridicat niciodată la Zelenstroy, dar, la fel ca Mark Rothko, nu voi renunța la ocupația mea, nu mă voi retrage sub jugul celor care nu înțeleg și condamnă.

Succes tuturor, aveți grijă de voi și de cei dragi.

Mark Rothko: O expresie simplă a unui gând complex

Mark Rothko: O expresie simplă a unui gând complex

În liceu, Rothko a lucrat ca vânzător de ziare și manager de depozit pentru N&S Weinstein, anii 1920. © Muzeul Evreiesc din Oregon

În continuare - un Marcus sărac, dar foarte activ, care se înfățișează ca un tip de hârtii, a câștigat o bursă pentru a studia la prestigioasa Universitate Yale, intenționând să devină avocat sau inginer. Da, asta a rămas doar universitatea și a fugit la New York - să deseneze.

Mark Rothko, elev la liceul Lincoln, 1921.
© Biblioteca Județeană Multnomah.

Au urmat mulți ani de lipsă de bani, libertate creativă și căutare activă a propriului stil. Ani de frăție boemă cu oameni de artă și ani de fericire.

În 1940, Rothko s-a trezit în cele din urmă în planurile de culoare care pluteau în spațiu. Aceste pânze dreptunghiulare mari au fost cele care i-au adus artistului faima și libertatea financiară. A fost înțeles, a fost simțit. Cu toate acestea, faima nu a adus fericire. Viceversa. Sănătatea s-a deteriorat. Căsătoria s-a despărțit de soția lui...

Mark Rothko cu soția și fiul său Christopher cu aproximativ un an înainte de divorț, 1968

Pânzele acestei perioade sunt întunecate, amare, sumbre. Artistul s-a mutat în propriul studio de pe East 69th Street, a continuat să bea și să fumeze intens. Și un an mai târziu, plin de antidepresive, a decis că nu mai are rost să trăiască și a plecat, lăsând în urmă peste 800 de lucrări în valoare de peste 20 de milioane de dolari, pentru care vor aplica copiii, fundațiile, prietenii...

Mark Rothko „Fără titlu”, 1969

„Abia se poate explica…”, a spus unul dintre eroii serialului. - Poate în ea [ PP: pictura de Rothko] și nu are rost. Poate că trebuie doar să simțim asta. Când te uiți, simți ceva. Parcă ai căuta adânc. Poți cădea…”

In contact cu

Rothko. Centru alb (galben, roz și mov pe roz)

Scris de proprietarul cămarei mele preferate Levkonoe http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe:
„Toți cei de aici nu înțelegeți nimic în artă!
Și eu sunt cel mai mic dintre toate:

Știri RIA":
în luna mai trecută, lucrarea lui Rothko intitulată „Centrul alb (galben, roz și violet pe roz)” a mers la Sotheby's pentru 72,8 milioane de dolari.

Că Sotheby's sunt toți idioți - nu cred. Prosopul ăla spălat valorează probabil 73 de milioane...

Actualizați:
Nu am pus asta deloc aici pentru a mă înfuria zgomotos pe tema „escrocii, păcăli oamenii”, etc. - Eu însumi nu aprob acest lucru și nu îi sfătuiesc pe alții.

Am scris aici în repetate rânduri că pentru mine, pe lângă talentul pictorului și alte avantaje ale tabloului, întrebarea importantă este „vreau să merg acolo”. Prin urmare, aici nu apare nimic ca Goya și multe alte lucruri, geniale și așa mai departe. Pentru că personal nu vreau să merg acolo.
Deci, cumva, nici eu nu vreau să port prosopul lui Rothko (dacă nu am citit Flatland).

Am citit despre el. Ca de obicei, era sărac, la început a pictat portrete și peisaje. A pictat niște capele ecumenice. El a devenit faimos. A devenit bogat și faimos. Și deodată a început să picteze pătrate și dungi. Mai întâi în culori diferite. Apoi doar alb-negru. Apoi și-a tăiat venele.

Actualizare 2
Aparent, în această poză există încă un fel de energie negativă sau spirit rău, dacă toți cei care au aruncat pașnic comentarii despre peluze au devenit brutali sau s-au încruntat aici. Bine, sincer, discuția nu a adus nimic. Dacă cineva a încercat cu sinceritate să înțeleagă care este treaba și ce nu înțelegem noi, nu a obținut nimic, în afară de clicuri pe nas și bătăi de ignoranță. Niciunul dintre suporteri nu a spus nimic inteligibil PENTRU.

* Poate că această poză a fost atârnată incorect (cu susul în jos, de exemplu). Asta nu am inteles;

*Nu cu susul în jos. Este aceeași prăjitură. Mai jos este marshmallow, iar deasupra este dulceață, caise. Este moale. Va fi mânjită.
În plus, totul explică diagnosticul artistului. La început a fost în faza maniacală a TIR, și a scris prăjituri. În imagine, aceasta este dulceața de portocale și este destul de natural să existe mai puțină decât bezele. Pastila este o fază depresivă. Din adâncurile marshmallow-ului, artistul a încetat să mai distingă lumea multicoloră, a fost acoperit și s-a spânzurat.

Cu toate acestea, când artistul a pictat acest tablou anume, el nu știa încă cum este în marshmallow, ci doar a avut un presentiment. Altfel, nu ar fi desenat-o într-un mod atât de roz. Și a numit poza „centru alb” pentru că spera, săracul, că centrul alb neutru este într-adevăr la mijloc, iar un TIR echilibrat nu-l va lăsa să se înece în lumea incoloră a depresiei.

Însă intuiția artistului l-a obligat să stabilească adevărata stare de fapt și anume: faza depresivă primează. Apropo, acest lucru este în concordanță cu datele medicilor despre cursul unui TIR tipic. Vă sugerez să vă uitați și la stratul alb: arată oarecum nefiresc în prăjitură, necomestibil, aș zice, mai ales trăsura neagră dintre acesta și dulceață.

Fără îndoială, artistul și-a subliniat astfel speranța pentru impenetrabilitatea acestei granițe, speranța că stratul alb impenetrabil, imcomestibil, „centrul alb”, îi va crea un obstacol în căderea din gem în marshmallow depresiv și îi va permite să evita inevitabilul...

*Când văd astfel de pânze, întotdeauna mi se pare că aceasta este o provocare din partea artistului....
Odată, două fete de la designerii noștri la locul de muncă s-au uitat la o ilustrație a unor pete și au admirat, am întrebat ce este atât de special la ea și cum diferă aceste pete de petele unui copil de 5 ani, mi-au spus: pentru a înțelege asta , trebuie să studiezi 5 ani.

Levkonoe: Poate că ar trebui. Nu cred în versiuni prea simple: provocarea (asta s-ar întâmpla o dată), spălarea banilor, efectul „rege gol” etc. Toate acestea sunt prea simple și ar fi încetat să funcționeze de mult chiar și la Malevici;

*Deci care este problema? În drum spre casă de la serviciu, cumpărăm niște vopsele pastel, hârtie whatman, pensule și desenăm un astfel de prosop. Îl atârnăm pe perete și încercăm să ne simțim milionari care tocmai au cheltuit 70 de lami verzi;

* Înțeleg că autograful lui Leonardo poate valora milioane, deși nu este desenat nimic special pe el. Dar știm de ce îl iubim. Și nu știam nimic despre acest Rothko și tocmai l-am citit acum. Apropo, succesiunea evenimentelor nu este încurajatoare: imagini normale - imagini mistice - dungi colorate - dungi negre - sinucidere. Apar îndoieli...;

Chris Chapman

* Mi se pare că acesta este ceva rupt în lume și în oameni. La începutul secolului trecut. Revoluție științifică și tehnologică rapidă, revoluții, războaie. Ceva distructiv era în aer. Și nu puteau rata imaginile. Poate din tot acest haos ai vrut să intri în golul suprem? Ascunde, închide sau invers - lasă totul în suflet și apoi taie-ți venele.

Nu cred că aceste poze sunt „apreciate”, doar s-ar putea să rănească ceva în interior. Este mai mult psihologie decât artă. Și e bine dacă e bine, dacă reușești să te ascunzi și dacă mai târziu vrei să-ți tai venele, după ce te uiți la golul ăsta de pe perete?

Nu, nu cred că oricine îi place este nebun. Doar că fiecare are propriile probleme și este posibil ca cineva să intre în acest nimic – o soluție la problemă.

Ei bine, bine. Lasă să-i placă. Deși nu cred că totul este bine. Prea mult început distructiv. Lumea este nebună, dar nimeni nu a anulat legile armoniei din ea. Și florile sunt frumoase!

Altceva mă enervează - când numai asta se numește artă și totul este vulgaritate. Și până la urmă, unii încep să asculte și să le fie rușine că le plac covoarele. Adică încep să se îndepărteze de ceea ce este cu adevărat frumos, spre acest haos și gol. La urma urmei, chiar și cuvântul „frumos” începe să se teamă. De parcă le-ar putea perturba lumea în dungi. Și încep să impună acest snobism al lor. Fă-o norma!
Totuși, ceva este în mod clar rupt în oameni;

*Această cârpă mă face să mă simt deprimat și claustrofob.
Are ceva de pe coridorul clinicii sovietice. Galben - perete, violet - podea, în mijloc - bancă;


Chris Chapman
* Dragă Levkonoe, eu însumi studiez acum arta și chiar și când eram student la psihologie.
Și am observat așa ceva în viața de zi cu zi: în legătură cu arta, există două tipuri de oameni - cei care nu percep arta abstractă și iubesc foarte mult realismul („a vrea să merg acolo”) și cei care sunt încântați de abstracție. , iar realismul, deși respectat pentru priceperea sa, nu este considerat vârful art.

Observând această împărțire clară și amintind vag de cursuri despre structura creierului, am început să bănuiesc că acest lucru are legătură cu munca diferitelor emisfere și cu raportul lor (nu chiar stângaci / dreptaci, dar aici este mai mult și mai confuz). Sau sunt caracteristici structurale ale unei zone de percepție a creierului. Pentru că aceste două categorii de oameni diferă nu numai prin atitudinea lor față de artă, ci și prin o serie de alte valori.
Aceasta, desigur, nu este o clasificare strictă, dar, în opinia mea, există cu siguranță așa ceva.
Am scris toate acestea pentru că îl iubesc și îl respect foarte mult pe Rothko.

Levkonoe: Probabil că nu am deloc emisfera dreaptă, pentru că, chiar și după toate studiile pe care mi le-au dat experții aici, nu văd mai mult sens și emoții în această poză decât în ​​peretele unei clinici sovietice pictat cu vopsea în ulei.

Și nu pot să nu simt că, dacă criticii de artă nu ar ști unde este Rothko și unde este zidul, amândoi ar fi la fel;

Chris Chapman
* Irina, îmi cer scuze că am invadat teritoriul altcuiva... dar această întrebare m-a ocupat de multă vreme: Chiar crezi că dacă unei persoane nu-i plac deloc „covoarele” sau nu este în stare să o citească pe Dontsova, aceasta este neapărat din snobism? Sau mai permiteți posibilitatea unei alte opțiuni?

În marginea discuției: percep pictura cu ceea ce se numește stomacul, după principiul „îmi place - nu-mi place”, nu-l suport pe Dali (la fel ca LNT :), dar eu iubesc Kandinsky, Klee și Miro; L-am văzut pe Rothko în muzee și mă alătur mărturiilor despre energia lui incredibilă; așa-zisa artă contemporană include nu numai „neînțelesul”, ci tot, inclusiv hiperrealismul și arta pop pe care le urăsc; poți avea o atitudine proastă față de vectorul dezvoltării muzicii moderne și picturii moderne, dar îngustarea publicului lor este un dat; nimeni nu te înclină să mergi la expoziții care nu sunt aproape de tine și să asculți muzică care nu-ți place, dar crede-mă, ce mi-a făcut pielea de găină de încântare la Galeria Guggenheim (și tovarășul meu a fost complet năucit) sau ce face eu în fiecare an aștept cu nerăbdare Două zile și două nopți de muzică nouă nu are nimic de-a face cu snobismul.

– Acum voi explica folosind un exemplu din monografia mea. Uite aici. Sfârșitul secolului trecut. Realismul socialist de tunel, așa cum clasificăm astăzi. Uniunea Sovietică este pe ultimele sale etape. Un tânăr și la modă artist din Sankt Petersburg, în compania prietenilor, după ce a fumat ierburi, merge la grămada de gunoi, scoate din el o bucată de fier strălucitoare - fie un volan de bicicletă, fie un arbore cotit - o ridică deasupra capului și declară: „Băieți, pe un pariu: mâine voi vinde această eroina unei companii cu zece mii de dolari. Apoi au fost dolari. Și vinde. Întrebarea este următoarea: cine și când a dat sancțiunea de a considera această eroebina un obiect de artă în valoare de zece mii?
- Pictor? Am sugerat. - Nu. Cu greu. Atunci toată lumea ar lucra ca artiști. Probabil... cel care l-a cumpărat?
- Asta e! Maruja ridică degetul. - Ce tip bun ești - vezi în rădăcină. Cel care a cumpărat. Pentru că fără el vom vedea în jurul acestui artist doar o mulțime de curatori flămânzi ca mine. Unii vor striga că aceasta nu este artă, ci doar o bucată de fier din gunoi. Alții – că aceasta este artă tocmai pentru că este doar o bucată de fier din gunoi. De asemenea, vor țipa că artistul este un pervers și este plătit de alți perverti bogați. Ei vor spune cu siguranță că CIA în timpul așa-zisei perestroika a investit în tendințe nonconformiste anti-sovietice pentru a-și ridica rangul social în rândul tinerilor - iar scopul final era prăbușirea URSS, așa că diverși idioți au fost plătiți cu zece. mare pentru o bucată de fier de la groapa de gunoi... În general, vor spune o mulțime de lucruri, fii sigur. Este posibil să existe ceva adevăr în fiecare dintre aceste afirmații. Dar înainte de actul vânzării, toate acestea erau doar vorbărie. Și după aceasta, a devenit o reflecție asupra faptului împlinit al culturii. Secretul murdar al artei moderne este că dreptul final la viață îi este dat – sau nu – de das Kapital. Și el este singurul. Dar înainte de asta, artistul trebuie să fie sancționat formal de cei care acționează ca intermediar între artă și capital. Oameni ca mine. Elita artei, hotărând dacă să considere o bucată de fier din coșul de gunoi drept artă sau nu.
„Dar așa a fost întotdeauna”, am spus. - În sensul de artă și capital. Rembrandt este acolo. Niște Tițian. Și-au cumpărat tablourile. Deci puteau desena din ce în ce mai mult.
„Da, dar nu chiar”, a răspuns Mara. - Când un sălbatic a pictat un zimbră pe peretele unei peșteri, vânătorii au recunoscut fiara și au împărțit carnea cu artistul. Când Rembrandt sau Titian și-au arătat pictura potențialilor cumpărători, nu existau curatori în jur. Fiecare monarh sau comerciant bogat a fost el însuși un critic de artă. Valoarea unui obiect era determinată de impresia imediată pe care aceasta o făcea asupra unui client care era dispus să plătească. Cumpărătorul a văzut o persoană surprinzător de asemănătoare în portret. Sau o femeie cu aceleași pliuri de celulită roz ca și soția lui. A fost un miracol, a surprins și nu a avut nevoie de comentarii, iar zvonul s-a împrăștiat tocmai despre acest miracol. Arta și-a reprezentat instantaneu și fără efort nu numai obiectul, ci și pe sine ca mediu. Chiar în actul viu al percepției altcuiva. Nu avea nevoie de un bilet de istorie a artei la viață. A intelege?
Am dat din cap nesigur.
„Arta contemporană, vorbind în sens larg, începe acolo unde se termină naturalețea și vizibilitatea și este nevoie de noi și de sancțiunea noastră. În ultimii o sută cincizeci de ani, arta s-a preocupat în principal de reprezentarea a ceea ce nu este imediat tangibil. Prin urmare, arta trebuie să fie reprezentată însăși. Înțeles?
- E vag. Aș prefera să mă uit pe net și...
- Nu, vei ridica tot felul de rahat acolo. Ascultă-mă, o să explic totul simplu și la obiect. Dacă un cumpărător vine la un artist care lucrează într-o nouă paradigmă, el își vede pe pânză nu fața, cunoscută din oglindă, sau pliuri de celulită, cunoscute de la soția sa. El vede acolo...
Mara se gândi o clipă.
- Ei bine, de la mână - o cărămidă portocalie mare, sub ea este o cărămidă roșie, iar sub ea este o cărămidă galbenă. Numai că nu se va numi „semafor în ceață”, așa cum ar spune un suflet simplu, ci „Portocaliu, roșu, galben”. Iar atunci când cumpărătorului i se spune că acest semafor în ceață valorează optzeci de milioane, este vital ca câțiva oameni serioși, celebri și respectați care stau în jurul imaginii dă din cap, pentru că cumpărătorul în noua situație culturală nu poate conta pe el. sentimente și gânduri. Stabilimentul de artă dă o sancțiune – și asta este foarte grav, pentru că înseamnă că opera vândută, dacă va fi nevoie, va fi luată înapoi cam pe aceiași bani.
- O vor accepta? Am întrebat.
Mara dădu din cap.
- Cu poza despre care vorbesc, asta s-a întâmplat deja de multe ori. Are peste o sută de ani.
Cum apare această sancțiune?
Mara râse.
- Aceasta nu este o întrebare pentru optzeci, ci pentru o sută de milioane. Oamenii își petrec viața pentru a primi această sancțiune - și ei înșiși nu înțeleg pe deplin. Sancțiunea apare ca urmare a mișcării browniene a minților și voințelor implicate în arta contemporană în jurul capitalului investițional, care, desigur, are ultimul cuvânt. Dar dacă vrei un răspuns scurt și simplu, poți spune așa. Arta de astăzi este o conspirație. Această conspirație este sursa sancțiunii.
„Nu este chiar un termen legal”, am răspuns. „Poate că ar fi mai bine să spunem „acord preliminar”?
— Poți spune orice vrei, Porfiry. Dar termenii de artă ar trebui să aibă aceeași sancțiune a capitalului ca o pânză cu trei cărămizi colorate. Abia atunci încep să însemne ceva – și merită să ne adâncim în numeroasele lor semnificații posibile. Sartre a spus despre „conspirația artei” – și aceasta, apropo, este una dintre puținele afirmații clare din viața sa. Sartre a fost cumpărat scump. Prin urmare, când repet aceste cuvinte după el, mă ascund în spatele sancțiunii pronunțate împotriva lui și par serios. Și când Porfiry Petrovici vorbește despre „coluziune preliminară”, miroase a gunoaie, îmi pare rău pentru franceza mea. Și nimeni nu va repeta asta după el.
— Tocmai ai repetat-o, am spus.
- Da. În scop educativ. Dar nu voi introduce asta în monografie, ci bunicul Sartre - complet. Pentru că singura modalitate de a obține aprobarea pentru monografia mea este să o lipesc din sancțiuni care au fost deja emise pentru alte proiecte. Așa se menține conspirația artei. Și toate celelalte conspirații de asemenea. Arta a încetat de mult să mai fie magie. Astăzi este, după cum ați observat pe bună dreptate, o conspirație preliminară.
– Cine și cu cine? Am întrebat.
– Dar acest lucru nu este întotdeauna clar. Iar participanții la coluziune trebuie adesea să improvizeze. Putem spune că din această ambiguitate ia naștere noutatea și prospețimea.
— Da, am spus și mi-am răsucit mustața. - De ce cineva care înțelege arta modernă, dar nu participă la o conspirație, nu iese cu o expunere?
Mara râse.
- Nu ai înțeles cel mai important lucru, Porfiry.
- Ce?
- Este imposibil să „înțelegi” arta contemporană fără a participa la conspirația ei – pentru că ochelarii conspiratorului trebuie deja îmbrăcați pentru a descoperi această artă. Fără ochelari, ochii vor vedea haos, iar inima va simți dor și înșelăciune. Dar dacă participi la o conspirație, înșelăciunea devine un joc. Până la urmă, un artist de pe scenă nu minte când spune că este Cicikov. Se joacă – iar scaunul pe care se sprijină devine un trei. În orice caz, pentru un critic care este în cotă... Înțelegi?
„Despre”, am răspuns. - Nu voi spune că este profund, dar pot sprijini conversația.
— Acum, Porfiry, trebuie să ai o altă întrebare.
- Care?
De ce îți explic toate astea?
— Da, am repetat, într-adevăr. Pentru ce?
— Atunci, spuse Mara, ca să nu fii surprins de ceea ce vei vedea când vom începe munca. Vei avea de-a face cu obiecte foarte scumpe. Și ți se poate părea ciudat că o copie electronică sau o instalație video, care poate fi realizată din material cultural deschis de către oricine, este considerată o piesă de artă unică și este vândută pentru o avere. Dar aceasta, credeți-mă, este aceeași situație ca și în cazul tabloului „Portocaliu, roșu, galben”. Dacă, uitându-te la ea, vezi un semafor în fața ta în ceață, ești un profan - oricât de convingător ar suna raționamentul tău pentru alți laici. Amintește-ți principalul lucru: obiectele de artă cu care te vei ocupa nu au nevoie de sancțiunea ta. Și au deja sancțiunea comunității artistice.
- Sub ce formă a fost emisă această sancțiune?
— Porfiry, oftă Mara, cât de neatent ești. În forma în care au fost cumpărate.

Săptămâna aceasta, la licitația Christie's din New York, a fost stabilit un nou record pentru o operă de artă contemporană. Pânza artistului american Mark Rothko „Orange, Red, Yellow” (1956) a fost vândută cu 86,9 milioane de dolari. Iată încă 15 opere de artă din secolul 19-20, vândute la licitații publice și în timpul vânzărilor private: de la „Iazul cu nuferi” de Claude Monet până la „Jucătorii de cărți” de Paul Cezanne.

Edvard Munch „The Scream”, 119.900.000 de dolari

În mai 2012, la licitația Sotheby's, pictura artistului norvegian Edvard Munch „The Scream”, una dintre cele mai recunoscute opere de artă, a intrat sub ciocan pentru un preț record de 119,9 milioane de dolari.A fost scoasă la licitație de fiul său. al prietenului artistului Petter Olsen - singurul privat proprietar al uneia dintre cele patru versiuni existente ale tabloului (celelalte trei sunt în posesia muzeelor ​​de stat - Galeria Națională a Norvegiei și Muzeul Munch). Edvard Munch a lucrat la Seria Scream timp de 17 ani - din 1893 până în 1910. Această versiune a picturii este unică prin faptul că este pe un cadru, realizat de artist însuși, poemul său este scris cu vopsea roșie, dezvăluind adevăratul sens al tabloului: „My prietenii au mers mai departe, / Și eu am rămas în urmă, / Tremurând de neliniște: / Am simțit Strigătul asurzitor al Naturii. EM."

Pablo Picasso nud, frunze verzi și bust, 106.500.000 USD

 În 2010, la licitația Christie's, un tablou al principalului modernist al secolului XX și al fondatorului cubismului Pablo Picasso „Nud, frunze verzi și un bust” a fost vândut cu 106,5 milioane de dolari. Tânăra iubită a artistei Marie-Therese este înfățișat pe o pânză uriașă de 1,6 metri înălțime, Walter, cu care a început să se întâlnească când ea avea 17 ani și el 45. Tabloul a fost pictat într-o singură zi în 1932 și a fost una dintre numeroasele pânze pe care Picasso le-a pictat special pentru o expoziție personală la Georges Petit Gallery.că temperamentalul artist spaniol a decis să organizeze o retrospectivă a operei sale după ce a văzut o expoziție a rivalului său Henri Matisse.

Alberto Giacometti "Walking Man I", 104.300.000 USD

În 2010, pentru prima dată, o sculptură a intrat în topul celor mai scumpe zece opere de artă, captând imediat palma. Lucrarea, înălțimea de 1,83 metri a celebrului sculptor modernist elvețian Alberto Giacometti, a fost vândută la licitație pentru 104,3 milioane de dolari. Creată în 1961, este una dintre primele statui din această serie și este considerată una dintre cele mai importante lucrări ale lui Giacometti. Sculptura „Walking Man I” a devenit prima copie a turnării sale, care a apărut la o licitație publică și se află în mâini private. Statuile lui Giacometti cu corpuri umane ofilite, aproape eterice simbolizează singurătatea și lipsa de apărare a unei persoane care și-a pierdut orice sprijin, dar a stat cu încredere pe propriile picioare și și-a luat viața în propriile mâini.

Pablo Picasso „Băiat cu pipă”, 104.100.000 USD

Pablo Picasso a devenit primul artist din istorie care a depășit pragul de 100 de milioane de dolari la o licitație publică. În 2004, la o licitație Sotheby's, un cumpărător necunoscut a cumpărat tabloul „Băiat cu pipă”, pictat de el în 1905 la Paris, cu 104,1 milioane de dolari. Această pânză are o valoare deosebită pentru colecționari, deoarece marchează trecerea artistului de la perioada „albastru” la cea „roz” și aparține celei mai valoroase perioade a operei lui Pablo Picasso – pre-cubistă.

Pablo Picasso „Dora Maar cu o pisică”, 95.200.000 USD

În 2006, un tablou de Pablo Picasso „Dora Maar cu o pisică” a fost vândut la Sotheby's din New York pentru 95,2 milioane de dolari, pictat de artist în 1941 în Parisul ocupat. Fotografă, poetă și artistă, Dora Maar a fost una dintre spaniole. modelele preferate ale artistului și a rămas muza lui timp de mai bine de 15 ani. La începutul anilor 1940, relația dintre Picasso și Maar a început să se deterioreze treptat, astfel încât imaginea ei în această perioadă - cu gheare ascuțite ca o pisică și o privire pătrunzătoare - a devenit pentru artistă. „personificarea războiului”.

Gustav Klimt „Portretul Adelei Bloch-Bauer II”, 87.900.000 USD

În 2006, la licitația Christie's, pictura lui Gustav Klimt „Portretul Adelei Bloch-Bauer II” (1912) a fost vândută cu 87,9 milioane de dolari unui colecționar care dorea să rămână anonim. Artistul austriac a fost solicitat în timpul vieții sale și multe dintre ele. picturile au devenit decorarea interioarelor celor mai luxoase case de la începutul secolului al XX-lea.Așa că a devenit un oaspete obișnuit al salonului bogatei familii Bloch-Bauer și a pictat mai multe portrete ale stăpânei casei - Adele Bloch-Bauer. Moștenitorii soțului Adelei, Ferdinand Bloch-Bauer, care a recâștigat de curând picturile pierdute ca urmare a ocupației germane, prezintă rareori lucrările lui Klimt la vânzare, așa că se așteaptă întotdeauna o cerere mare pentru ei.

Mark Rothko „Portocaliu, roșu, galben” 86.900.000 USD

8 mai 2012 la casa de licitații Christie's pânza „Orange, Red, Yellow”, scrisă de artistă în 1961, a mers pentru 86,9 milioane de dolari, inclusiv comision. Pictura a devenit nu numai cea mai scumpă lucrare a unui artist de origine rusă, ci și cea mai scumpă piesă de artă postbelică și contemporană vândută la licitație publică. În primul rând, Rothko este cunoscut pentru picturile sale abstracte, formate din mai multe segmente de culoare.Pe parcursul a 15 ani, și-a perfecționat propriul stil, lucrând la margini neclare și dizolvarea culorii în culoare și creând un efect puternic de pete de culoare pulsate.

Francis Bacon „Triptic”, 86.000.000 USD

„Triptic 1976” de expresionistul englez Francis Bacon, vândut în 2008 la licitația Sotheby’s, timp de câțiva ani a fost considerat cel mai scump tablou,scris după al Doilea Război Mondial. Mai mult, pictura nu numai că a fost inclusă în lista celor mai scumpe opere de artă din lume, ci a doborât și recordul de preț pentru opera artistului. Este alcătuit din trei panouri sumbre egale, fiecare dintre ele înfățișând figuri umane hipertrofiate - se revarsă sânge roz, corbii se rotesc și organele interne sunt expuse.Experții explică prețul ridicat prin raritatea apariției lucrărilor lui Bacon pe piață - de exemplu, această pânză nu și-a schimbat proprietarul de mai bine de 30 de ani - și numesc pictura „Triptic 1976” vârful geniului creator al expresionist, în care își dezvăluie la maximum propriile experiențe interioare și înfățișează tragedia existenței.

Vincent van Gogh „Portretul Dr. Gachet”, 82.500.000 USD

Multă vreme - din 1990 până în 2004 - tabloul „Portretul doctorului Gachet” de postimpresionistul olandez Vincent van Gogh, pictat în 1896 cu puțin timp înainte de moartea artistului și înfățișând un medic dintr-un spital de boli psihice, a fost considerat cea mai scumpă operă de artă conform rezultatelor licitației. De la începuturi, pânza și-a schimbat constant mâinile, ajungând în 1990 în mâinile milionarului japonez Reei Sato, care a lăsat moștenire să se îngroape împreună cu capodopera. După moartea lui Saito în 1996, locația exactă a „Portretului Dr. Gachet” rămâne necunoscută, ceea ce a dat naștere multor speculații cu privire la soarta picturii.

Claude Monet „Iazul cu nuferi”, 80.500.000 USD

Aproape niciunul dintre colecționari și jurnaliști nu a fost surprins când, în 2008, la licitația Christie's din Londra, pictura lui Claude Monet „Iaz cu nuferi” a fost vândută pentru un record de 80,5 milioane de dolari pentru artistul francez. Trama tradițională a lui Monet – nuferii – a popularitatea a fost întotdeauna folosită printre colecționari.Deși organizatorii licitației de la casa de licitații nu se așteptau la un rezultat atât de mare, deoarece imaginea nu aparține unor lucrări anterioare sau de renume mondial, ci este doar una dintre numeroasele pânze care înfățișează nuferi. pe suprafața apei. Acest tablou, pictat în anul 1920 în epoca răspândirii modernismului și a cubismului în lumea artei, este interesant prin faptul că este încă scris în conformitate cu canoanele impresioniștilor din anii 1870.

5 tablouri achiziționate în oferte închise

Paul Cezanne „Jucătorii de cărți”, $250,000,000

Tabloul achiziționat „Jucătorii de cărți” este ultima dintr-o serie de lucrări scrise de artistul francez în perioada 1890 - 1895, și singura în mâini private. Experții o numesc cea mai întunecată lucrare a acestei serii și, prin urmare, cea mai interesantă și mai valoroasă. Anul acesta, pânza a fost cumpărată de familia emirului Qatarului pentru un record de 250 de milioane de dolari pentru galeria națională a țării, care acum este completată în mod activ cu opere de artă.

Jackson Pollock "#5", 140.000.000 USD

În 2006, tabloul „Numărul 5, 1948” al pictorului abstract american Jackson Pollock a fost vândut cu 140 de milioane de dolari. Potrivit rapoartelor de presă, a fost achiziționat de un mare finanțator mexican, David Martinez. Jackson Pollock a devenit fondatorul așa-numitei picturi „picături, sau turnare”, atunci când artistul creează o imagine fără măcar să atingă pânza. Abordarea sa inovatoare a fost recunoscută în timpul vieții artistului însuși - în 1949 Life Magazine l-a numit cel mai mare artist american - iar după moartea lui Pollock, colecționarii i-au cumpărat toate pânzele, chiar și cele neterminate.

Willem de Kooning „Femeia III”, 137.500.000 USD

În 2006, milionarul și colecționarul de artă american Stephen Cohen a plătit 137 de milioane de dolari pentru pictura expresionistă abstractă Woman III de Willem de Kooning. Un artist american de origine olandeză a pictat-o ​​în 1953 ca parte a unei serii de lucrări în care tema centrală era o femeie. Multă vreme, pictura a fost la Muzeul de Artă Modernă din Teheran, dar în 1994 a fost vândută și scoasă din țară.

Gustav Klimt „Adel Bloch-Bauer I” 135.000.000 USD

În 2006, „Portretul Adelei Bloch-Bauer” al lui Gustav Klimt, cunoscut și sub numele de „Adele de Aur” sau „Mona Lisa austriacă”, a fost achiziționat în 2006 de către antreprenorul american și moștenitorul imperiului cosmeticelor Ronald Lauder pentru Noua Galerie pe care a fondat-o în 2006. New York. Această pânză este una dintre cele mai semnificative lucrări ale artistului austriac, deoarece a fost pictată în 1907 - în perioada de aur a lucrării lui Klimt, când s-a inspirat din mozaicurile bisericii bogat decorate cu aur din Italia. Prețul ridicat al picturilor de Gustav Klimt din colecția lui Ferdinand Bloch-Bauer se explică prin apariția lor rară pe piață, așa că vânzarea a două tablouri deodată în 2006 a făcut mare vâlvă în cercurile artistice.

Andy Warhol „Opt elfizi”, $100,000,000

Lucrarea inedită a lui Andy Warhol „Opt elvisi” de 3,7 metri lungime a fost vândută cu 100 de milioane de dolari după 40 de ani în casa colecționarului roman Annibale Berlinghieri.cea mai valoroasă perioadă a operei lui Warhol după standardele specialiștilor. Warhol este adesea numit nu numai regele artei pop, ci și al pieței de artă, deoarece peste 26 de ani de activitate, el și asistenții săi au creat aproximativ 10 mii de opere de artă, ceea ce nu reduce valoarea operei sale.